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ALBERTO GIACOMETTI Aunque nacido en Suiza, gran parte de la trayectoria artística de Alberto Giacometti (1901-1966) transcurrió en Francia y, más concretamente, en París, adonde se había trasladado en su juventud para ampliar su formación artística. Allí tomó contacto con las primeras vanguardias y, durante unos años, sus obras se asociaron a la experimentación cubista y, más tarde, al surrealismo, corriente en la que participó activamente al comienzo de la década de los 30. Sin embargo, ya en los años 40, el artista imprime un giro radical a su obra, pasándose al campo de la figuración. Para entonces, el mundo ha conocido ya la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial y descubierto el horror de los campos de concentración nazis. Quizás influenciado por todo eso, el figurativismo de Giacometti es tan peculiar: con frecuencia nos presenta figuras humanas en pie, muchas veces desnudas y a menudo extremadamente delgadas, casi filiformes, acusando una fragilidad desmesurada.
"El palacio a las cuatro de la madrugada". (1932). Nueva York.
Alberto Giacometti: "Hombre señalando" (1947). "Hombre caminando" (1960).
ALEXANDER ARCHIPENKO La obra de Alexander Archipenko (1887-1964), uno de los ejemplos más claros de cómo el concepto de vanguardias artísticas puede aplicarse no sólo a la pintura de comienzos de ese siglo, sino también (y muy merecidamente) a la escultura, que encuentra en él uno de sus mejores exponentes. Archipenko nació en Kiev, ciudad ucraniana entonces perteneciente al Imperio Ruso, y allí realizó sus primeros estudios artísticos, completados a continuación en Moscú. El cubismo es la orientación de sus esculturas de este primer periodo, con figuras reducidas a sus volúmenes más simples y con una evidente tendencia a la geometrización. (Kiev, 1887 - Nueva York, 1964) Escultor ruso, pionero de la escultura cubista. Emigrado de Ucrania, llegó a París en 1908 atraído por los trabajos de Picasso y Braque, y un año después expuso en el Salón de Otoño su primera escultura cubista, Torso. "La escultura -afirmó- puede empezar en el punto en el que el espacio es rodeado por la materia." Esta afirmación se hace realidad en el juego sucesivo de formas cóncavas y convexas, como alternancia entre hueco y volumen, con el que construye estructuras como Mujer andando (1912, The Denver Art Musem) o El combate de boxeo (1913, Colección PerlsGalleries, Nueva York) en las que invierte el concepto tradicional de la escultura haciendo surgir el espacio como negativo de la masa y creando una dinámica de ritmos y contrastes. Sus "escultopinturas" preludian los assemblages dadaístas y demuestran su interés por borrar las fronteras entre las disciplinas, aunque él fundamentalmente priorizó la investigación escultórica. Establecido en Estados Unidos, fue profesor en la Universidad de Washington, en la New Bauhaus de Chicago y en Nueva York. Las esculturas de su célebre serie de los "Medrano", combinación de madera, metal y vidrio, son buenos ejemplos de su obra.
FRANK STELLA Frank Stella (nacido en Malden, Massachusetts, el 12 de mayo de 1936) es un pintor y grabadorestadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía. Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista. Sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la vanguardia norteamericana. A partir de 1958, con sus blackpaintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hardedge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shapedcanvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional. En 1960 presenta su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. En 1962 exhibe en una muestra colectiva en el Museo Whitney de Nueva York y en 1963 es nombrado artista residente en el DartmouthCollege de New Hampshire. Entre otras tantas exposiciones colectivas que se realizaron durante la década de los sesenta, Stella participó en algunas de las más importantes, relacionadas con la nueva abstracción y el arte minimalista, como por ejemplo, «Toward a New Abstraction» (Museo Judío de Nueva York, 1963) o «SystemicPainting» (Museo Guggenheim de Nueva York, 1966). Desde mediados de los años ochenta hasta mediados de los noventa, Stella creó un gran corpus de obras que responde en términos generales al Moby-Dick de Herman Melville. Durante esta época, el creciente relieve de las pinturas de Stella dio paso a una plena tridimensionalidad, con formas escultóricas derivadas de conos, pilares, curvas francesas, olas, y elementos arquitectónicos decorativos. Para crear estas obras, el artista usó collages o maquetas que eran luego agrandadas y recreadas con ayudantes, cortadores de metal industriales y tecnología digital. En los años noventa, Stella comenzó a realizar esculturas para espacios públicos y desarrollar proyectos arquitectónicos. En 1993, por ejemplo, creó todo un esquema decorativo para el Teatro Princesa de Gales de Toronto, que incluye un enorme mural.
DAVID SMITH Con frecuencia se tiende a considerar al expresionismo abstracto como una corriente pictórica desarrollada en los Estados Unidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo podemos encontrar una estética semejante en el escultor norteamericano David Smith (1906-1965), a quienes algunos han llegado a calificar como el padre de la escultura abstracta de aquel país, un hombre de quien se cuenta la anécdota de que su creatividad le permitió en una ocasión realizar 27 esculturas en 30 días, empleando para ellas, fundamentalmente, objetos hallados de manera casual. Hijo de un ingeniero e inventor, parecía lógico que Smith pasase por la Universidad. Y así lo hizo durante algo más de un año, periodo tras el que abandonó los estudios para emplearse, muy joven aún, como obrero industrial en una fábrica de automóviles. Fue allí donde descubrió el mundo de la soldadura de acetileno y donde comenzó a mostrar un acusado interés por las manifestaciones artísticas y, de forma muy significativa, por las esculturas realizadas en hierro por Pablo Picasso y, sobre todo, Julio González.
Algo más tarde, y trasladado a Nueva York, la pintura abstracta de las vanguardias europeas y las aportaciones del constructivismo ruso también fueron objeto de su interés de Smith. De esta manera, a comienzos de los años treinta del pasado siglo, justamente cuando se desarrolla en el país la Gran Depresión, Smith toma la decisión de dedicarse a la escultura, tarea que le ocupó el resto de su vida. Su último actividad laboral ajena al arte se desarrolló en una fábrica de ferrocarriles, ensamblando locomotoras y tanques.
DONATELLO Donatello fue el hijo de Nicolo di Betto Bardi, un cardador de lana, y nació en Florencia, probablemente en 1386. Su padre era de vida tumultuosa que participó en la revuelta de los Ciompi, un levantamiento popular del año 1378, organizado por los cardadores de lana. Nicolás Maquiavelo describió esta revuelta años más tarde (1520-1525), dentro de su Historia de Florencia. Más tarde, su padre, también participó en otras acciones en contra de Florencia, que le condujeron a ser condenado a muerte y después indultado, fue un personaje muy diferente a su hijo, que era noble, elegante y delicado, por sus amigos y demás artistas era conocido bajo el nombre de Donatello.[4] Según unos informes de Vasari, el artista pasó sus últimos días abandonado por la fortuna, sus últimos años a consecuencia de una enfermedad paralizante los pasó en la cama y sin poder trabajar. Murió en Florencia en el año 1466 y se dispuso su enterramiento en la Basílica de San Lorenzo en la cripta debajo del altar y al lado de la tumba de Cosme el Viejo. Entre los hombres que portaron el ataúd se encontraba Andrea dellaRobbia.[5] El cenotafio de Donatello fue realizado en 1896 por el escultor RaffaelloRomanelli. A su muerte aún le quedó la deuda de 34 florines de pago por el alquiler de su casa y esto ha dado lugar a debatir sobre su estado real de pobreza, pero la cuestión parece más bien relacionada con su total indiferencia en los asuntos financieros, que en toda su vida demostró tener el artista, por las cuestiones económicas. Muchas anécdotas dan testimonio de esta actitud, como cuando en el momento de su mayor apogeo de trabajo en su taller, solía colgar una cesta llena de dinero, del que sus ayudantes podían aprovechar libremente, según fuera necesario. Los honorarios que recibió por su trabajo le habían asegurado grandes ganancias y también por otra parte Cosme de Médicis le había concedido una paga vitalicia semanal hasta el fin de su vida.
"Martirio de San Lorenzo". Púlpito de la iglesia de San Lorenzo (1465). Florencia.
FRANCISCO SALZILLO No es poca cosa nacer en el seno de una familia de escultores, en la que se aprende el oficio compartiéndolo con el padre y dos hermanos, como le ocurrió a Francisco Salzillo (1707-1783). Sucedía esto con cierta frecuencia en la sociedad del Antiguo Régimen, en la que los oficios (no sólo los de carácter artístico) se traspasaban de padres a hijos, generación tras generación. Pero nada de ello aseguraba ser una primera figura del arte correspondiente y este es el nivel al que llegó Salzillo, el cual constituye el más brillante exponente de la imaginería barroca murciana y sin cuya obra la Semana Santa de la ciudad de Murcia no dispondría del extenso e interesante repertorio de imágenes que ahora muestra. He aquí por tanto a un escultor que hereda de su padre (nacido en Nápoles) claras influencias del barroco italiano, pero que las asume e integra para crear un estilo personal en el que hay que considerar también las propias tradiciones escultóricas hispanas, que ponían un especial acento en la realización de obras de carácter religioso que pudiesen encauzar (y estimular al mismo tiempo) las devociones populares. Salzilloprodujo una extensa obra en la que son abrumadora mayoría las imágenes religiosas. Destacan en este sentido sus imágenes procesionales y, sobre todas, las que realizó por encargo de la Cofradía de Jesús de la ciudad de Murcia. En los distintos pasos se aprecia el sentido de la composición de las escenas y el fuerte naturalismo, mostrado tannto en imágenes de vestir como en las de talla completa. El gusto del escultor por el realismo llega a extremos tales que emplea cabello natural en el nazareno de la caída. Así pues, un escultor de raíces italianas, que alcanzó una larga edad y tuvo las suficientes dotes organizativas para dirigir un amplio taller escultórico, pudo dar en él rienda suelta a sus capacidades
HENRY MOORE Como suele ocurrir cuando tratamos la escultura del siglo XX, es prácticamente imposible asignar un determinado estilo al artista británico Henry Moore (1898-1986), más allá de que podamos afirmar que su obra se inserta en el contexto de aquellas vanguardias que en las primeras décadas del siglo XX dieron al traste con la plástica escultórica tradicional. El caso de Moore es verdaderamente paradigmático de ese cambio de mentalidad: se cuenta de él que en su infancia resolvió firmemente dedicarse a la escultura, tras ver algunas imágenes de las obras de Miguel Ángel. Y aunque aquella decisión fue definitiva, tuvo que aplazarse durante algún tiempo, porque el ejército inglés acabó reclutándolo como soldado en los años de la Primera Guerra Mundial, en una de cuyas batallas resultó afectado por uno de esos letales inventos del siglo XX: los gases característicos de la entonces novedosa guerra química. Pasados los tiempos de la Gran Guerra, el joven Moore retoma decididamente su vocación, a la que permanecerá fiel el resto de su vida. En esos años de formación se impregna por completo de las más diversas influencias. Le atraen por igual los artistas del Renacimiento y las obras escultóricas de las culturas de la América prehispánica, los autores góticos o las novedosas realizaciones de escultores contemporáneos como Brancusi. Conoce también a fondo las aportaciones del cubismo y la abstracción y, en su momento, no despreciará tampoco los planteamientos procedentes del surrealismo. Moore, porque no dejó nunca de experimentar. Empleó materiales diversos, aunque fueron la piedra y el bronce las materias primas con las que trabajó más frecuentemente.
Henry Moore: "Figura reclinada (1951). Cambridge, Reino Unido.
JEAN ARP Fue pintor, aunque una gran parte de su obra son relieves y esculturas. Particìpó con los expresionistas,tomócontacto con los surrealistas, pero no despreció jamás el arte abstracto, hasta el punto de que una parte de su obra puede encuadrarse en esta tendencia. a mediados de la segunda década del siglo XX, cuando, en contacto con los dadaístas, realiza relieves en madera pintada los cuales, más que suponer un trabajo puramente escultórico, son como collagges tridimensionales a los que en algunos casos denomina constelaciones, bastante semejantes a las pinturas de la misma época. Arp no dejó de experimentar con este tipo de formas en las que lo que denominaba "leyes del azar" jugaban un papel fundamental. a partir de la década de los años veinte introdujo sustanciales novedades en sus esculturas, que ahora adquieren formas curvadas, muy sinuosas, en las que las aristas brillan por su ausencia. Es lo que el mismo llamó "esculturas biomórficas", queriendo hacer alusión con ello a la relación que, a su juicio, se establecía entre la pura creatividad artística y la creación en la misma naturaleza. Ahora el bronce y otros metales, además de diversos tipos de piedra son sus materiales favoritos.Tenía un profundo interés por lo humano y por la naturaleza.
ANTONIO CANOVA Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en marmol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es facil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo situan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana. Musa Recostada
GEORG RAPHAEL DONNER • Nació en Esslingen, Austria. Escultor ecléctico, pintor, grabador y ebanista del período Barroco, que concilia con refinado buen gusto los estilos manierista, rococó y neoclásico. Sus esculpidos principales incluyen altares tallados en marmol, fuentes de agua ornamentales, esculturas metálicas de plomo, bustos de madera y sobrerrelieves con cubierta de oro. Las esculturas de Donner fueron requeridas en Europa central por nobles, gobiernos e instituciones religiosas. Viena fue su lugar de trabajo principal. También realizó obras en Salzburgo y en Bratislava hoy capital de Eslovaquia.
ANNIE LEIBOVITZ Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y MarilynHeitLeibovitz, una instructora de danza contemporánea.[7] Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente. En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte.[8] Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam.[6] Por varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutzisraelí en 1969,[3] lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.[9] obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco.[7
ROMULO Y REMO HOMENAJE A LEONARDO DA VINCI
EL OSO POLAR KNUT QUE FUE FOTOGRAFIADO POR ANNIE LEIBOVITZ PARA UNA CMPAÑA MEDIOAMBIENTAL Y TAMBIEN PARA LA PORTADA DE VANITY FAIR
ANSEL ADAMS Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles. En 1932 Ansel Adams, junto con ImogenCunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas.En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), ThisIsthe American Earth
